Pelis-grosos

Filosofía gótica

2008-09-13T07:13:00.000-07:00

"Si la justicia parece venganza, ¿cómo ha de impedirse que los hombres crean alguna vez que la venganza puede ser justicia?

Jacinto Benavente. Dramaturgo español (1866-1954).

Protagonizada por Christian Bale, Head Ledger, Aaron Eckhart, Gary Oldman, Michael Caine, Morgan Freeman y Maggy Gyllenhaall, la segunda película de la trilogía dirigida por Christopher Nolan, es mucho más profunda y arrolladora que la primera -Batman Inicia-. Esta vez lo encontramos a Batman ya asentado en la lucha contra el crimen en la ciudad, contando con la ayuda de el Teniente Jim Gordon y el fiscal de distrito Harvey Dent y trabajando desde la clandestinidad junto a ellos. Es decir, el superhéroe se instala en la sociedad como la marginalidad de la justicia a la hora de combatir el delito. Sin embargo, Ciudad Gótica sufrirá los embates cuasi anárquicos de alguien que desea instalar el caos absoluto como prueba de que frente a ello, sólo la violencia extrema puede funcionar como contención, estamos hablando del Guasón (The Joker) un psicópata imbatible y egocentrista, quien magistralmente interpretado por Ledger, contribuye a generar tal anarquía que conducirá a sus rivales al planteo de encontrar una respuesta al orden del caos. Este criminal no maneja ningún patrón moral y Batman, que no deja de ser un humano vestido de superhéroe y al que sólo la tecnología lo ayuda a serlo, se verá llevado al límite. ¿Puede un superhéroe utilizar medios inmorales, absolutamente violentos y contribuir al caos en su lucha contra el mal? El guasón dice en el principio del film "lo que no te mata te hace más extraño" en una alusión a la frase tan conocida de Nietzche: "lo que no te mata te fortalece", es evidente que en este caso, la crueldad que vive ese personaje de niño ha hecho de él un monstruo, un freak, un violento anárquico, lo ha fortalecido desde la perversión, no desde la humanidad. Impecablemente filmada, actuada y dirigida, este film no deja de sorprender por haber apuntado a la reflexión sobre la violencia, la justificación de la violencia empleada contra el delito y la posibilidad de combatirla utilizando a alguien que al no pertenecer a las fuerzas estatales, no imprime violencia desde el poder sino marginalmente, hablamos de Batman. Se siente cómodo Batman con su rol? puede caer él mismo en la anarquía en el manejo de sus fuerzas? Interesante reflexión instala este film acerca del límite del empleo de la violencia contra la violencia, más aún, en el post- septiembre 11 , donde el terrorismo ha demostrado que es capaz de todo desafiando así el límite de la legalidad en el uso de las fuerzas en su contra. Sin duda, una de las mejores, sino la mejor, película del 2008. Sin abuso de efectos especiales y con gran manejo actoral y un muy buen guión, se logra una obra de arte impecable que excede los límites del simple cine de superhéroes investment software. Puede el héroe convertirse en vengador? puede olvidar la objetividad del manejo de la justicia? o tiene el rol de un paramilitar trabajando desde la oscuridad con las fuerzas del orden? A todos estos planteos conduce este muy bien logrado film para estos días en que la violencia nos sobrepasa y nos genera los más terribles sentimientos y nos plantea la existencia en un mundo sin reglas.

De serie a película, un crecimiento o un retroceso?

2008-08-14T18:23:00.000-07:00

Debo comenzar este comentario aclarando algo, Sex and the City empezó siendo libro, sí señores y señoritas, nació como literatura con el libro del mismo nombre escrito por Candace Bushnell. Algunos dirán que no puede llamarse así, pero yo creo que en la literatura también hay variantes y que este pequeño libro ha dado en la tecla en muchos aspectos en lo atinente a los vínculos de la era moderna y en las grandes ciudades, basta con transcribir un par de frases: "Bienvenidos a la era de la pérdida de la inocencia. Las luces fulgurantes de Manhattan que sirvieron de telón de fondo a las citas inocentes de Edith Warthon (en referencia a la obra literaria "La edad de la inocencia") todavía brillan, pero el escenario está vacío" o esta otra "En Manhattan se practica mucho el sexo pero esa clase de sexo que desemboca en una amistad o en un acuerdo comercial, no en una relación sentimental" o esta "En Nueva York las relaciones se basan en el desapego. Pero ¿cómo te apegas cuando decides que eso es lo que quieres?" y así muchas más... No es un tema menor, no lo considero así, se está viviendo una época, sobre todo a partir de los noventa, donde los vínculos amorosos y otros también, se han alivianado de una manera llamativa, y donde se considera que se vive sin hipocresía cuando en verdad, se está viviendo sin riesgo y sin asumir compromiso alguno, porque el compromiso, a mi modo de ver, es riesgoso. La serie a la que dió orígen este libro, cuyas protagonistas y personajes fueron durante seis años, compañeras de muchos hombres y mujeres que se vieron identificados con la problemática que se mostró sin tapujos de ningún tipo, fue justamente un éxito porque supo reflejar la vida de aquellos de treinta y pico y más y menos también, y sus problemas cotidianos de relación, y supo también diferenciar las búsquedas de acuerdo a los caracteres de cada uno, es así que el amor no encuentra una sola definición sino una pluralidad según quién lo interprete y qué quiere cada quién para sí. Una de las novedades de la serie era también que se grababa en discotecas, negocios, restaurantes, todos reales y en las calles de la ciudad, lo que daba mucha más credibilidad a la historia de sus personajes: cuatro amigas llamadas Carrie, Samantha, Miranda y Charlotte, muy bien interpretadas por Sarah Jessica Parker, Kim Cattrall, Cinthya Nixon y Kristin Davis. Los diálogos sobre sexo abundaban y cada capítulo abordaba un tema diferente vinculado siempre a las relaciones amorosas, siempre con una visión real dentro de lo que puede ser la vida en un lugar como Manhattan, y que tiene algunas coincidencias hoy con Buenos Aires y sus habitantes, por qué no?. Bien, luego de cuatro años de que finalizara la serie y después de varios obstáculos para su filmación, llegó la película, y me pregunto: qué necesidad de hacer una película elitista, sí, porque este tipo de films resulta satisfactorio sólo para el seguidor de la serie televisiva que tiene una identificación con los personajes y sus historias que el film no logra trasladar a aquellos que debutan viéndo esta historia en la pantalla grande. Más aún cuando la película ha tratado de resaltar la superficialidad y el glamour en sus protagonistas en un momento inicial y dar luego una segunda parte y un final a las historias demasiado intencionado y con moraleja demasiado explícita. También perdieron gracia sus personajes ya que fueron muy retocados para no parecer impertinentes, groseros o desubicados, lo que traicionó su propio espíritu en pantalla chica. A pesar de ello, y por el cariño que le tengo a estas cuatro amigas y actrices, y para ser justa con el largometraje, tengo que decir que me gustó verlas otra vez, que dentro de todo resulta una comedia pasatista mejor que otras que he visto y que aún con la pérdida que sufrieron al "agrandarse", cancelaron para con nosotros -sus admiradores- una deuda pendiente: la de cerrar sus historias, por suerte las nuestras siguen abiertas....Paula.

Ensayo sobre el capitalismo

2008-07-09T08:54:00.000-07:00

Woody Allen siempre es admirado y criticado, es un director de cine que tiene muchos detractores y que sufre permanentemente ataques casi hasta crueles para con su arte cuando se estrena una de sus películas. Yo no he sido llamada a defenderlo pero considero que hay muchos puntos positivos en su carrera que deberían primar sobre aquellos que podemos ver de negativos. No hay dudas que su egocentrismo lo ha traicionado varias veces, pero hoy, ya en la tercera edad, sigue demostrándonos que todavía puede innovar en cine, basta haber visto Match point para saber eso. Bien, dentro de esa línea de cine-ensayo, incluyo a su nueva y última película "El sueño de Casandra". Tal como Milan Kundera lo es -a mi modo de ver- a la novela, Woody Allen lo está siendo al cine, un ensayista que para transmitir su teoría filosófica sobre algún tema utiliza la historia cinematográfica, a través del impacto visual del séptimo arte intenta dejarnos una huella en nuestras concepciones o estructuras mentales. No quiero con esto engrandecerlo desmedidamente, no se lo merece tampoco, y hasta sería perjudicarlo; simplemente considero que no es sólo un contador de historias, sino también un disparador de reflexiones. Volviendo a su último film, esta vez protagonizado por Ewan McGregor, Collin Farrell y Tom Wilkinson, tendríamos que empezar por saber quién fue Casandra. Casandra -de la mitología griega- fue hija de Príamo y Hécuba y hermana gemela de Heleno, tenía el don de la profecía -de hecho predijo la guerra de Troya- hasta que debido a una venganza, Apolo le quita el don de la persuasión: por más que ella profetisara no sería nunca escuchada, sus profecías serían desoídas por todos. En el film de Allen los protagonistas, dos hermanos de clase media baja inglesa, compran con sus pocos ahorros un velero al que llaman "El sueño de Casandra". La vida de esos dos hermanos está signada por la falta de recursos económicos para lograr cumplir sus sueños y por las obsesiones que los rigen, para uno la del juego compulsivo, al otro la de los autos de lujo y el amor de una mujer. Obsesionados con salir de la miseria en la que ellos consideran están inmersos recurren a pedir ayuda a un tío rico, Howard, interpretado magistralmente por Wilkinson, quien a cambio de ayuda económica les pide un favor un tanto difícil de cumplir. Cegados por la ambición desmedida, intentarán realizar el "pequeño trabajo" pedido por su tío a cambio del dinero, lo que los llevará a terminar siendo las víctimas de un sistema en el que pagan por sus pecados los esclavos y no sus dueños. Y es ahí donde las profecías de Casandra son desoídas por estos dos hermanos que sufren el mal de la ambición en el que los sume el sistema donde viven. El gran ganador es el capitalismo, el tío rico en este caso, el poderoso y ellos son culpables por no saber ver que el sistema siempre castiga al más débil. Y así, como Casandra fue castigada por Apolo, quitándole el don de la persuasión -sin el cual una profetisa no es nadie-, así los protagonistas de esta historia fueron castigados con la sordera que produce la ambición y la falta de oportunidades. Quiero destacar una gran actuación de Colin Farrell como nunca se lo vió, no así Mc Gregor que, sigue a mi gusto, siendo un rubiecito muy lavado expresivamente. Un gran planteo de este director, que con sus fallas, y sus repeticiones, sabe plasmar la idea clara en una historia audio-visual y ha logrado mantener a través de los años al cine de autor colocándolo dentro del sistema. Paula.

Entretener o no entretener, esa es la cuestión...

2008-06-19T09:07:00.000-07:00

Decía Nietzche que el hombre sufre tan terriblemente en el mundo que se ha visto obligado a inventar la risa. Qué es el cine sino también un medio para suplir la angustia existencial? Es por ello que algunos de los teóricos del cine han señalado que una de sus funciones debería ser la del entretenimiento. Dentro de este rubro coloco a la última película de la saga de Indiana Jones, dirigida por el maestro de la aventura, Steven Spielberg. He seguido la saga desde que se estrenó en cine Indiana Jones y los cazadores del arca perdida en cine hace ya muchos años, estoy hablando del año 1981, tenía doce años , recuerdo que fui como cuatro veces a verla al cine, y cada una de ellas la disfrutaba más, evidentemente en mi adolescencia necesitaba paliar alguna angustia a través del cine, no importa, lo que si importaba era que disfrutaba esa película como ninguna otra. Veintisiete años después llega el cuarto film de la saga y me provoca alegría, porque me conecta con ese entusiasmo de la primera vez que conocí a Indiana y lo admiré, profesor de antropología, arqueólogo y aventurero, qué más se podía pedir. Harrison Ford encarna nuevamente al profesor Jones, esta vez con unos sesenta y pico de años, muy bien llevados y su característica sonrisa burlona. En cuanto al argumento centra la historia en la búsqueda de una calavera de cristal que también es buscada por agentes de la Unión Soviética, volvemos al enemigo comunista, ya anunciando la época de la guerra fría. Acompañado por su novia de la primera hora, Marien Ravenwood (Karen Allen), un joven motociclista (Shia LaBeouf) y su amigo-traicionero Mac (Ray Winstone), Indi emprende esta aventura al corazón de la selva en Perú. La villana y oponente será en este caso la Dra. Irina Spalko,una parapsicóloga, interpretada por la talentosa Cate Blanchett, quien tratará de apoderarse ella primero del misterioso cráneo por considerar que tiene poderes fuera de lo normal. Apelando a algunos elementos sobrenaturales, y sin recurrir a demasiada tecnología digital, sino -por decisión del propio director- a efectos especiales parecidos a los utilizados en la trilogía previa, las aventuras del Dr. Jones no dan descanso y acompañadas por la banda sonora que la caracteriza, nos mete otra vez en el mundo de los sueños de todo niño-adolescente, el de ser aventurero, correr riesgos y vivir la vida con la adrenalina a full, sacándonos así de nuestro mundo rutinario aunque sea por un par de horas. El film cumple la expectativa, más no puede dar, Indiana Jones es eso que se ve y nada más pero funciona como entretenimiento inteligente y con muchos ingredientes de misterio que hacen a la historia más gustosa. La película fue estrenada en el mundialmente conocido Festival de Cannes -festival considerado serio si los hay- en mayo de 2008, dando así la pauta de que el cine de aventuras también tiene lugar en Cannes siempre que sea de calidad, como es el caso. Los amantes de este personaje no dejen de verla, no defrauda, si vamos con la idea de que lo más importante es que se respete toda la coherencia del personaje a través de 27 años de historia cinematográfica y siempre que se dejen seguir seduciendo por una sombra que se coloca un sombrero y una música especial que nos hace decir, es él, está otra vez con nosotros alimentando sueños ya ahora de adultos. Paula.

Matemática Pura

2008-06-11T13:04:00.000-07:00

El libro de esta película llego primero a mi vida, es decir, antes que el film. O sea enfrenté la pantalla grande ya sabiendo el final y la psicología de lo personajes. No se eso si fue una ventaja , pero creo que el hecho de haber leído primero el libro hizo que en mi cabeza se fuera llenando los
huecos que el film podría dejar al descubierto, sobre los personajes o la trama.
Primeramente quiero hacer publica mi queja hacia el señor de la Iglesia por haber sacado la escena de Rene Lavand, quien con sus ilusiones me hacia fantasear cuando era niño y hubiera sido un gran homenaje para este gran mago manco.
El gran desafío del director es que la trama del libro daba para una película mucho mas hablada de lo que el estaba acostumbrado. Hacerla mas visual y que no se centre tanto en los diálogos es algo que al director le preocupaba a tal punto de llegar en un principio a rechazar el film.
Debemos decir que no es la mejor película de la basta filmografía del español pero creo que logra imprimir en la historia todo el misterio que en la obra literaria existe y logra utilizar el basto lenguaje de cine inventado por el gran director que fue Hitchcock. Creando así una película que cumple con todas las reglas del policial inglés.
Elijah Wood logra despegarse de su excelente Frodo para ser Martin un Norteamericano que llega a Oxford para estudiar (en el Libro no es Martin, sino Martín y es argentino) que encuentra en su guía, Arthur Seldom (Jonh Hurt) un excelente contrincante para sus mas profundas teorias matematicas –filosoficas, para un duelo intelectual del que no sabremos el ganador hasta el final del film-. En el medio de ellos habrá una serie de asesinatos que intentará descifrar. Este amor odio entre profesor estudiante es el eje de la película que lo completan una serie de personajes secundarios de los cuales ninguno quedará exento de la sospecha de ser el asesino serial. Creo que en esto falla justamente, en el manejo de la intervención de los personajes, los cuales entran y salen de la trama a veces demasiado rápido como para que el espectador llegue a digerir quien es o que papel juega. Es un alubión de información que le puede jugar en contra al film. El espectador se encuentra en el medio de puras teorías de matemáticas que lo aleja de cualquier acercamiento hacia alguno de los personajes.
Creo que De La Iglesia no se siente cómodo cuando sale de su humor negro y transgresor, de sus películas con personajes grotescos y críticos. Si bien esta vez el film esta lejos de ser el fracaso que fue Perdita Durango, su anterior película en ingles, los Crímenes de Oxford no llega a ser una de esas obras maestras a las cuales estamos acostumbrados sus fanáticos.

De acero está hecho el hombre?

2008-05-13T17:45:00.000-07:00

Bien, no sé cómo empezar este comentario. Me ha tocado "criticar" una película basada en un comic que nunca leí, cuestión que me hace poco autorizada a los fines de la comparación del film con la historieta. Pero, a pesar de ello, acepté este desafío, aún cuando no soy del tipo de espectador aficionado a este gènero de películas. En fin, veamos cómo encarar esto...Sabemos que se ha desatado la moda de los largometrajes basados en comics, y en superhéroes de aquellos que veíamos en los dibujitos animados cuando los de mi generación (treinta y pico de años) mirábamos todo el día la televisión y no teníamos pc. Uno de ellos era iron man, que si no me equivoco, pertenecía o era conocido, de los vengadores -uno para todos y todos para uno diría Alejandro Dumas si viviera-. He aquí que a la productora Marvel -la misma de las historietas- se le ha ocurrido hacer la película que tenga por protagonista a este personaje, a mi entender, no de perfil alto entre los superhéroes, será que ahora vamos por los de perfil bajo. Bien, tengo que reconocer que a la hora de elegir casting han sido muy astutos porque que Robert Downey Jr., personifique un superhéroe es algo que no me había imaginado nunca, pero justamente ello fue lo que me atrajo a ver él film. Mucho mérito tiene esta elección en la calidad de la película, Downey encarna con convicción al millonario Stark -fabricante de armas-, quien luego de descubrir que las mismas armas que fabrica y vende para el uso y goce del ejército estadounidense en Irak son utilizadas por sus enemigos para matarlos y después de permanecer secuestrado por mercenarios con el fin de que les fabrique su última invención, descubrirá que cuando de armas se trata la injusticia está a la mano de quien quiera servirse de ella y, por ello, él mismo se convertirá en el arma más poderosa para combatir el "mal uso" del armamento. Y digo el mal uso, porque por ahora sólo ha demostrado que el enemigo no se encuentra dentro de las fronteras de su país sino fuera....bueno, le vamos a dar más chances de que sea justo(de justicia) el ideal que defiende ya que se vienen dos partes más de la saga. Ahora bien, no puedo dejar de destacar que la película es impecable en cuanto a imágen, sonido, banda sonora, ritmo, actuaciones - a Downey Jr. lo acompañan Terrence Howard, Gwyneth Poltrow y Jeff Bridges- y que no derrocha ostentosamente efectos especiales ni se enamora de ella misma, no es una película egocéntrica. A la vez, Iron Man está aprendiendo a ser Iron Man y eso lo hace más atractivo como personaje, y más carismático aún, cuestión que no resulta ajena al intérprete que le da un toque muy personal a la caracterización, en donde no falta el humor. Resultado: me gustó, me entretuvo, me hizo sentir bien el ver que alguien mayor que yo puede encarar un superhéroe y sin envidiar nada a los más jóvenes. Conclusión: de acero no estamos hechos pero con imaginación, tecnología y mucho dinero, todo se puede lograr. Paula.

Desacartonemos la muerte....

2008-04-15T13:01:00.000-07:00

Esta nueva película de humor negro inglés -hacía mucho tiempo que no veíamos una comedia de este género y de este orígen- comienza con un coche funebre llegando a la masión donde se realizará el funeral y con el hijo del difunto dandose cuenta al abrir el cajón de que se han equivocado de cadaver. De ahi en más el film entrará en ritmo mortuorio y no lo perderá y el espectador como si participara de una fiesta muy divertida no parará de reirse. El film se sostiene en las muy buenas actuaciones de todo el elenco, ya que se nota que conocen perfectamente como hacer una comedia de enriedos donde lo cómico es desubicado y al mismo tiempo es lógico por la tensión del momento. Es bueno destacar a dos de ellos que sobresalen sobremanera, Alan Tudyk , un abogado que va al funeral a acompañar a su prometida -sobrina del difunto- aunque le caiga mal a su futuro suegro, y Andy Nyman, un gordito hipocondríaco que se verá involucrado en los mas locos sucesos. Pero ninguno de los actores desentonan y es asi que logran sostener esta comedia que no para ni un segundo de sorprender con un crescendo en los sucesos graciosos que tiene su punto límite recién al final. La historia es sencilla: El patriarca de una familia muere y todos sus parientes se unen para despedirlo en la casa donde vivía: entre ellos, un hijo ,escritor facasado, que vive con su esposa enla mansión quien quiere mudarse lo mas pronto posible lejos de su suegra; el otro hijo, escritor exitoso, que vive en norteamerica con gran deapego de su familia; y un puñado de familiares y amigos propensos a meter la pata. Todos reunidos en una mansión pensando en su cosas, en sus propios problemas y olvidando el verdadero motivo de la reunion, desbordando individualismo, todos mirando su propio ombligo y participando con hipocresía de una despedida que en realidad se convierte en algo tan solemne y acartonado que pierde todo sentido. Allí ocurrirá un hecho escandaloso y es ahi donde los problemas comienzan a ser mas grandes: deben ocultar la realidad y mantener la calma del funeral. Frank Oz, director de "La tiendita del horror", y por suerte esta vez sin Steve Martin, imprime su sello en este film con humor negro, buen ritmo, enredos y una irreverencia que produce goce en el espectador. Hasta le pone a esta receta un poco de humor escatologico que lejos esta de caer mal, sino hace reir mas y mas. Y es que desacartonar un funeral es algo difícil pero no imposible de conseguir sin dejar de mantener el respeto a quien se fue. Si bien el guión no resulta muy profundo, uno se da cuenta al finalizar el film, que se ha reido de sus propias debilidades, de la fragilidad de cada uno y que a fin de cuentas nada es tan tragico como parece. Habrá que tomarse la vida como este funeral¡¡¡¡¡¡¡¡ Otro intento del cine inglés que sin destacarse demasiado logra ser efectivo y cumplidor. Hernán.

Digging in the dirt (Escarbando en la suciedad)

2008-04-13T15:27:00.000-07:00

Decía Nietzche sobre el matrimonio o la relación amorosa entre hombres y mujeres: " No es crueldad hacer partícipes a los demás de nuestras inquietudes y tormentos, que ellos no sufren, y sólo para hacerlos sufrir? No es esto una modalidad de aquel sentimiento que, en todo lo malo que nos sucede, quiere ver algo "pasivo", una fina emanación de la venganza? Y si esto es así, el matrimonio y la amistad no estarán llenos de peligros porque exigen esta comunicación cruel del dolor? Es difícil no compartir un dolor, por consiguiente, debemos quitar la ocasión y vivir en la soledad" Pero, y sin ánimo de cuestionar a un gran pensador y cuestionador de la falsa moral, me parece que hablaba desde su incapacidad para relacionarse, para poder limpiar de hollín el vínculo con el sexo contrario y lograr sobrevivir sin soledad, soledad que no era decisión propia, tal vez, sino imposibilidad de liberarse de la intolerancia y de la suciedad de la miseria más íntima. En fin, a todas estas reflexiones me acerca un poco el film de Julie Delpy, aquella que actuara junto a Ethan Hawke en "Antes del Amanecer " y "Antes del Atardecer"de Linklater. Siguiendo la línea argumental de esos dos largometrajes y con el diálogo entre hombre y mujer otra vez de protagonista, Delpy -esta vez como escritora, directora y actriz- reflexiona sobre el vínculo de una pareja de dos años de convivencia, los avatares a los que están expuestos, y sobre la naturaleza del amor. Acompañada por Adam Goldberg (Zodíaco, Deja Vu, Edtv), son Marion y Jack, una fotógrafa francesa y un diseñador de interiores norteamericano que viven juntos en Estados Unidos, quienes en medio de una crisis de pareja , con dos años de relación a cuestas y de viaje reparador por Europa, pasan dos días por París a visitar a los padres de ella. El film basa su nudo argumental en el diálogo entre ellos: él que se da cuenta las diferencias entre la idiosincrasia de su pareja y la suya propia, causada por las diferentes culturas de sus países de orígen, y ella, que lo encuentra más conservador por momentos de lo que parecía con relación al aspecto de la libertad sexual. Todo ello se expresa en palabras en la película, que es permanentemente dialogada, la discusión entre ambos y la continua verbalización de sus dudas y cuestionamientos hacia el otro hacen a la historia, la construyen. No debemos olvidar que son dos artistas, dos intelectuales, a la vez, que no saben relacionarse de otra manera más que expresándose con lenguaje hablado. El diálogo permanente, el fluir permanente del pensamiento sobre uno mismo y el otro, ayuda o empeora las cosas? Es posible continuar una relación cuando las diferencias salen a flote irremediablemente? Dónde está el equilibrio? Delpy simplemente muestra este paseo por Paris en contraposición a la imágen romántica de Paris que ha difundido el cine a través de los años -sobre todo el cine hollywoodense- y coloca a su pareja en una situación nada romántica, en donde una mirada real es protagonista, desdibujando el mito del amor perfecto. Bienvenida sea esta mirada crítica y optimista al mismo tiempo al cine, una mirada inteligente sin dejar de valorar lo importante que son los afectos en la vida de todos. Y así, coincido con la directora, que la relación amorosa puede sobrevivir a los embates que los propios protagonistas crean, y que depende de la decisión de cada uno de ellos de querer estar en compañía del otro, y de saber, que de una crisis se puede salir fortalecido y con bases para una mejor relación futura, aprendiendo de a poco que la tolerancia de las diferencias es fundamental para construir un vínculo y que el resultado es gratificante. Tal vez Nietzche no podía disfrutar en su época de este cine, tal vez eran pocas las mujeres que le llamaban la atención ya que pocas de ellas se destacaban por su intelectualidad en una época dominada por hombres o seguramente las que existían tenían menos difusión que en la actualidad, o tal vez....... no podía más que estar solo siempre..... Paula.

Descompongamos la verdad....

2008-03-30T16:39:00.000-07:00

Del director Pete Travis -director de tv-, llega este film en el que un atentado al presidente de los Estados Unidos en Salamanca, España, es la excusa para que varios testigos/protagonistas del mismo, desarrollen su punto de vista sobre el hecho, y cada uno de esos puntos de vista, va construyendo la historia. La película pertenece al género de las de acción, con la variación original de que vamos viendo el hecho sucederse una y otra vez según quién lo ve, dónde está ubicado y qué función cumple en ese momento dentro de la narración, es decir que empieza una y otra vez, hasta finalizar en el conjunto de todas esas visiones de la que saldrá a la luz la verdad. Y...sí, hay que tener paciencitra vez empezar la película, pero no está de más el intento, aunque algo desaprovechado, de lo que aportan de riqueza en una historia o narración los diferentes puntos de vista. Es así que veremos cómo el primer mandatario de USA (William Hurt), uno de sus guardaespaldas agente del servicio secreto (Denis Quaid), una periodista (Sigourney Weaver), un ciudadano norteamericano con una cámara de video presente en el lugar (Forest Withaker),un policía de civil español (Eduardo Noriega), uno de los terroristas (Saïd Taghmaoui), van construyendo la verdadera historia del atentado a través de sus visiones de esa realidad y del rol protagónico que en ella cumplen. Si bien no podemos dejar de decir que el planteo narrativo del film resulta interesante -aquellos que hemos leído "Rosaura a las diez" del escritor argentino Marco Denevi estábamos acostumbrados a este planteo desde lo literario-, la película pierde interés por momentos, y peca de reiterativa. Al llegar al final, además, confluyen todos los puntos de vista de manera abrupta, sin aviso y un poco enmarañada, pierde definición. Tal es así, que hasta nos vamos con las ganas de que también se hubiera incluído el punto de vista del otro agente secreto interpretado por Matthew Fox (si¡¡ Jack, de Lost), que podría haber aportado una historia más, con visos interesantes. No hay mucho más para decir de este film, sólo que el lugar de quien mira, su subjetividad, y su rol en la situación , siempre resulta un tema interesante para explorar y así desconstruir y construir una realidad, pero hay que tener mucha habilidad para lograr que ello cierre bien redondito y sin cabos sueltos, ya que no lo podemos lograr en nuestra vida real, exijámosle a un director de cine, que es un dios- creador con posibilidades de dar certezas, que lo haga, no les parece?? Paula.

Bienvenidos al tren

2008-03-24T14:58:00.000-07:00

El tren de las 3:10 a Yuma

“Hasta un forajido quiere a su madre”. Esta es la frase que Ben Wade (Russel Crowe) le dice a uno se sus captores antes de matarlo y es el resumen, para mi, de la película. No todos somos completamente buenos, ni todos completamente malos.

Me recuerdo siendo un chico frente al televisor viendo todos los western que podía, hasta convertir a
John Wayne en uno de mis ídolos de la infancia, tan así que una de mis mayores desilusiones de la niñez fue enterarme que ,a pesar de verlo todos los sabados cabalgando por inmensas praderas, él estaba muerto. Y esta película me hizo recordar a esas épocas.

El film es la remake de una película realizada ya hace más de medio siglo con la actuación de Glenn Ford personificando uno de los papales principales.
Cuenta las desventuras de un granjero (Christian Bale), ex combatiente en la guerra de civil norteamericana, que esta a punto de perder sus tierras por las deudas que contrajo con un acaudalado hombre del pueblo. Ante la presión de éste y la mala suerte de presenciar el asalto y asesinato de los ocupantes de una diligencia, decide ser el entregador del jefe de la banda al tren que se dirige a la cárcel que esta en Yuma.
Bale no es el típico héroe que hace las cosas simplemente por que es justo y honrado. El hace las cosas porque necesita dinero y los doscientos dólares de recompensa son los que lo motivaran a partir en esta arriesgada travesía. Aunque con el transcurso del film veremos que hay otros motivos que lo mueven como lo es demostrarle a su familia que clase de hombre es. Y Crowe no es el típico bandido desalmado que solo hace las cosas por el dinero. Si bien tiene ese perfil también se lo ve un hombre con ciertos códigos y cierto lado de su personalidad sensible. Y estos dos hombres son los que se enfrentan. Sus personalidades, sus códigos y sus deseos. Solo ellos dos. A pesar que la cuadrilla comienza siendo de varios hombres Wade y Evans quedaran solos. Y así solos los veremos mas parecidos de lo que podríamos imaginar.

Con actuaciones acordes al género (mas allá de los protagonistas hay que destacar las actuaciones de Ben Foster como el ladero de Ben Wade, Logan Lerman el hijo de Bale y Peter Fonda que no necesita presentación) y un gran manejo de cámara este wester hace recordar a aquellos que me deleitaban de niño. Grandes escenas de acción y un poco de melancolía hacen que la receta este a punto para poder degustar esta gran película a la hora señalada, aunque ese… ...ese sea otro western.

Bienvenido a la realidad¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡

2008-03-20T12:34:00.000-07:00

"En la vida de hoy, el mundo sólo pertenece a los estúpidos, a los insensibles,y a los agitados. El derecho a vivir y a triunfar se conquista hoy casi por los mismos caminos por los que se conquista el internamiento en un manicomio: la incapacidad de pensar, la amoralidad y la hiperexcitación" Fernando Pessoa (1930).

La última película de estos hermanos tan particulares filmicamente como lo son los Coen tiene de más particular justamente, que esta vez la historia no ha salido de sus cerebros, sino que está basada en la novela de Cormac Mc Carthy "No es país para un hombre viejo". Ello le da un marco literario a este film muy interesante. Ahora bien, el título para latinoamerica "Sin lugar para los débiles" destroza el original en sentido y significancia, por lo que recomiendo no dejarse guiar por ello.
Esta es la historia de un hombre "viejo", un sheriff , Ed Tom Bell, (interpretado por Tommy Lee Jones), que debe enfrentarse a un caso de crímenes que se cometen en su pueblo, un lugar perdido en Texas, en donde se encuentran involucrados narcotraficantes mexicanos, un asesino serial totalmente indestructible, como una especie de Terminator humano amoral e impredecible, Anton Chigurh (interpretado por Javier Bardem) , carteles de droga norteamericanos y un cazador que se ve involucrado por casualidad en todo ello, Llewellyn Moss(interpretado por Josh Brolin). La desolación en que viven sumidos estos personajes es la misma del paisaje que los rodea, todo es lento, todo es un viento caliente soplando en el desierto, todo fluye en un tiempo lento, sus mentes también. Pero hay elementos externos tales como el asesino y la coyuntura actual representada por los narcos, que suma a este lento pasar, una agitación y un tiempo tan rápido y colapsante que no da tiempo a aquellos que como el viejo Sheriff quedaron atrapados en su propia historia, en una época donde el delito daba tiempo a seguirlo de cerca, y hoy se le escapa de las manos, corre mucho más rápido y a un ritmo tan cruel como excitado. -Esto es una guerra¡¡¡- exclama el sheriff Bell como diciendo que lo excede, que no puede contra ello. A su vez Llewellyn cree que puede quedarse con 2 millones de dólares pertenecientes a carteles de droga y no repara en que el viento sopla más fuerte y tormentoso que su propia voluntad. El único que puede sobrevivir a todo ello es el temible criminal, Chigurh, quien es practicamente invencible y puede contra todo y todos, y puede porque él es hijo de la violencia y la sociedad y soledad actual. Gran film, grandes interpretaciones, gran reflexión sobre la crueldad moderna. La maestría de sus directores se ve plasmada en la caracterización de los personajes -algunos, como el dueño de una gasolinera, que son muy propios de sus películas- y en algunas escenas en las que el suspenso se vuelve tan intenso y agobiante que ahoga a los espectadores. Es una pelicula claustrofóbica, no hay salida a la violencia actual, nos quedamos retrasados, nos supera, nos deja atrás, tal como al sheriff Bell, que llega después de que las cosas pasan, tal como una realidad paralela a la que no puede penetrar. Es así que ni siquiera Chigurh se enfrenta a él, para qué, si total no representa algo interesante ni siquiera para matar. Bien vale la pena atreverse a asomarse a este film y reflexionar sobre nuestro mundo. Eso si, llévense un Rivotril para cuando dejan la sala y vuelven a la realidad. Paula.

Oh, adorable dualidad¡¡¡¡

2008-03-04T16:16:00.000-08:00

Resulta ser este el último film del director David Cronenberg, aquél de "Una historia Violenta" y "Pacto de Amor", se acuerdan? tremenda película esta última, oscura, terrible, perversa. Protagonizada por Viggo Mortensen, Naomi Watts, Vincent Cassel y Armin Mueller-Stahl esta vez la historia se sitúa en la ciudad de Londres donde vive la partera Anna,(Naomi Watts), descendiente de rusos, quien ayuda a dar a luz a una bebe, hija de una adolescente violada y con vinculaciones con la mafia rusa llamada Tatiana, que morirá en el parto. Anna encuentra su diario íntimo y tratará de ubicar algún familiar para poder entregar a la recién nacida, eso la llevará hasta el "Trans-Siberian" restaurante, en donde dará con su dueño, Semyon (Armin Mueller-Stahl), quien se ofrecerá a traducir el diario. Allí también conocerá a Nikolai (Viggo Mortensen), chofer de la familia, quien se involucrará en la búsqueda de Anna y demostrará interés en ella y en protegerla de los peligros a los que se somete al internarse en el mundo de la mafia. No estaría de más agregar que la historia transcurre en Navidad, y que no es casual que a quien haya que rescatar y proteger sea un recién nacido. Cronenberg una vez más nos presenta personajes en donde el mal y el bien se encuentran en lucha interna, en donde la dualidad sexual también está en pugna (es el caso de Kirill, hijo de Semyon, en una muy buena interpretación de Vincent Cassel), y donde lo correcto e incorrecto transitan la mente -dubitativa por momentos- de estos seres ambigüos moralmente. El film contiene momentos de gran violencia explícita, elaborados con mucha maestría por el director. Así también, es destacable el hecho de que los personajes hablen en su idioma natal -el ruso-, lo que tiñe de real aún más a la historia. El mundo de la inocencia representada por Anna y su bebe, se mezcla con el de la crueldad más terrible, la de la mafia rusa y sus códigos, su moral y su intransigencia. No está de más agregar a esta pequeña reseña las palabras del propio director -citadas en el nº189 de El Amante Cine- cuando dijo "El proceso artístico supone una lucha básica por la comprensión, la paz y la resolución. Una lucha que nunca termina. Creo que morir de ese modo es nuestro destino. Pero no es para preocuparse: todo indica que lo que importa es la lucha en sí misma, no el resultado (...)Creo que estamos hablando de una mente que no comprende por qué no habría de ser infinita y eterna, y un cuerpo que te dice desde el principio que sos definitivamente mortal y que tu tiempo está contado.Creo que la tensión entre ambos es el tema del horror". Tal vez en ello resida la ambigüedad, en el deseo de querer trascender a la frontera de la muerte y para ello acercarse lo más posible a ella violando toda regla moral, sólo así, cara a cara, podemos volver atrás o cruzar la línea, o tal vez, mantenernos en el límite pisando algunas veces de un lado, otras de otro, pero sentirnos realmente vivos. Quizá Cronenberg sea un ensayista más que un cineasta, así como Kundera es a la novela. Creo que si nos lleva a estas reflexiones bien valen los $17 de la entrada.........Paula.

Sangre, sudor y navajas

2008-02-24T12:41:00.000-08:00

Sweeney Todd: el barbero demoníaco de la calle Fleet
(Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street, Estados Unidos/2007).
Dirección: Tim Burton.
Con Johnny Depp, Helena Bonham Carter, Alan Rickman, Timothy Spall, Sacha Baron Cohen, Jamie Campbell Bower, Laura Michelle Kelly y Jayne Wisener. Guión: John Logan, basado en el musical de Stephen Sondheim y Hugh Wheeler. Fotografía: Dariusz Wolski. Música: Stephen Sondheim. Edición: Chris Lebenzon. Diseño de producción: Dante Ferretti.

Cada intervención de Tim Burton en la pantalla grande nunca pasa inadvertida, puede gustar o no; pero siempre llama la atención del espectador. Esta vez lo hace con una historia basada en una leyenda londinense que ha sido tomada por varios autores de diferentes espectáculos, pero en especial por el musical de Stephen Sondheim estrenado en Brodway en 1979.
Es la historia del barbero Benjamín Barker (Johnny Deep) que es injustamente apresado y separado de su familia, la cual queda a manos del Juez Turpin (Alan Rickman) quien ha ideado el plan para que el Barker caiga en desdicha. Después de 15 años el barbero vuelve convertido en Seewney Todd y es cuando conoce a la señora Lovett (Helena Bonham Carter) quien tiene una fabrica de pasteles de carne de muy mala reputación y es quien le cuenta que su esposa ha muerto envenenada y su hija ha quedado en la tutela de dicho juez. Es ahí que reabre su vieja barbería y junto a la señora Lovett se encargarán de la preciada venganza.
Burton se juega otra vez por sus dos actores fetiches, a pesar de no ser cantantes, para interpretar a los protagonistas del film y estos salen airosos ante semejante odisea. Las actuaciones son muy buenas a pesar de que al estar cantando les saca naturalidad, pero tanto Deep como Bonham Carter nos muestran todo lo que pueden hacer cuando detrás de sus actuaciones esta el director de El joven manos de tijeras.
Burton demuestra que esta apto para encarar cualquier género cinematográfico, pero también se lo nota incomodo cuando esta atado a una idea que no es de su creación. Burton no quiere alejarse de la versión teatral y es así que sigue ésta al pie de la letra. Es ahí cuando el film pierde ritmo, las escenas cantadas son demasiadas extensas o demasiadas teatrales. Por esto, si el espectador no gusta de los musicales o no esta acostumbrado, se le tornarán pesadas ciertas partes del film.
El guionista John Logan (Gladiador, El aviador) redujo el argumento a 116 minutos (el musical duraba 3 horas) y esto hace que varios personajes se resientan, así también la relación entre un joven marinero y la hija de Sweeney, que pasa casi desapercibida en la historia del film.
Lo que no se puede negar es la maestría de Burton en crear mundos oscuros y góticos. Toda la película esta en una decoloración total. Casi en blanco y negro. Solo resaltará la sangre, que será mucha, en un color rojo brillante. La película es más sangrienta que la versión teatral y para esto Burton se hace de un viejo fanatismo de su juventud, las películas de la Hammer. Sangre bien brillante para demostrar la liberación de los personales, según las propias palabras del director. En esta película, como en todas las de Tim Burton, hay un excelente manejo tanto del arte como de la fotografía, que son intachables.
Mas allá de todo lo ante dicho creo que Burton es uno de los mas grandes artesanos que hay hoy en día en el mundo cinematográfico y esto como lo dije al principio de la crítica, hace que ninguna de sus películas pasen inadvertidas, porque siempre nos mostraran algo nuevo e incomparable sacado de la galera de este gran mago del séptimo arte.
Y a partir de este momento tendremos que esperar hasta que este gran genio nos traiga una nueva versión de Alicia en el país de las maravillas. Ya estoy contando los días.

Miseria humana sin redención

2008-02-24T10:44:00.000-08:00

Se ha dicho de los abogados que "así como peca el médico ignorante metiéndose a curar, así lo hace el abogado inepto tomando una defensa", yo cambiaría la palabra inepto por "crédulo". Veamos por qué asumo esta postura, para ello tomaré de referencia obligada el film "Michael Clayton", protagonizado por George Clooney, Tom Wilkinson y Tilda Swinton. Esta película narra la historia de dos abogados -Clooney como Michael Clayton y Wilkinson como Arthur Edens- , el primero cumpliendo la función de "fixer" o componedor de entuertos legales, y el segundo como abogado litigante, defensor en este caso, ambos contratados por la importante firma de abogados "Keener, Bach & Ledeen 's". La historia comienza cuando Edens, en un rapto de desvarío mental y descontrol absoluto, sabotea el caso asignado por el estudio en que defiende a una importante empresa acusada de contaminación ambiental causante de enfermedades terminales en seres humanos de un pequeño pueblo y acude a Clayton para pedir apoyo. Mientras tanto, el presidente de la firma -interpretado por Sidney Pollack- pide a Clayton que controle la delicada situación que hace peligrar los negocios de la compañía. Bien, según mi entender, el film centra el nudo en estos dos personajes: Edens quien practicamente pierde la cordura cuando advierte que está defendiendo intereses "sucios" y Clayton quien acepta la realidad de que su trabajo consiste en hacer volver a la coherencia a su colega, aún cuando advierte la verdad de los fundamentos de su locura. He aquí la cuestión principal, ambos pecan de crédulos, el primero por creer que la defensa de importantes compañías puede no afectarlo en sus propios principios y valores y llevarlo así a la sinrazón, y el segundo por pensar que su tarea era más fácil de lo que resulta siendo, por no imaginarse que se va a encontrar con muchos obstáculos en el camino hacia la solución del problema. Clayton se encontrará con sucesos que tratarán de doblegarlo y afirmar valores ya por él olvidados, logrará la redención? Este es un film realista, sin golpes bajos, muy bien actuado tanto por Clooney y Wilkinson como por Tilda Swinton como la despiadada jerarca de la empresa multinacional, cliente de la firma de legos. Es una historia sobre lo difícil que resulta la elección de ser honesto consigo mismo y los costos que ello acarrea, sobre la transformación del ser humano en algo no deseado por él, y acerca de la imposibilidad de lograr el cambio una vez que ya la suerte está echada. Prolija historia que llama a la reflexión sin bombos ni platillos, sino hablándonos bajito al oído... Paula

Páginas bañadas en culpa.

2008-02-19T13:28:00.000-08:00

Dirigida por Joe Wright (" Orgullo y Prejuicio" 2005), un inglés que cuenta con 35 años de edad y resulta ser disléxico -según cuenta IMDB- este destacado film, basado en la novela "Expiación" del escritor inglés Ian McEwan, deslumbra por su belleza, y por su buena traducción en imágenes de la sensibilidad, la sutileza, de aquello que está pero no se dice; lo que demuestra que su eventual problema de desconección con la palabra escrita no se extiende a otros ámbitos.
Mientras leo en el diccionario que expiación significa "purgar las culpas" "purificar una cosa profanada", me pregunto si habrá algún método para lograr la expiación, para purificarnos y purgar culpas, para vivir en paz con nuestra conciencia.........La misma pregunta, creo yo, tortura a Briony Tallis (Saoirse Ronan), la protagonista principal de esta historia, quien con tan solo 13 años, llevada por los celos, la abulia en la que se encuentra sumida, la ignorancia sobre el sexo, el miedo, y su fantástica imaginación, atestigüa en contra de Robbie (James McAvoy), el hijo del ama de llaves de la mansión de sus padres, donde vive la pequeña, quien ha enamorado a Cecilia (Keira Knightley), su hermana mayor, y del que ella misma se encuentra enamorada, quien finalmente pagará con la cárcel la culpa por un delito que no ha cometido. La atmósfera que nos rodea es de verano, caliente, asfixiante, tensa, y los personajes tienen la líbido a flor de piel. Wright dirige las cámaras como un verdadero poeta de la imágen, espiando, semblanteando a sus criaturas, soplándoles al oído, como un fantasma cuya presencia se percibe sutilmente pero no es visto por los protagonistas. La banda sonora compuesta por Dario Marianelli -siempre los italianos detrás de las mejores composiciones musicales para películas- acompaña el relato de manera justa, rítmica cuando es necesario y con un original juego de teclas, no de piano, esta vez, sino de máquina de escribir -ya que la pasión de Briony y su vía de escape es la escritura-, que nos transporta a nosotros -los espectadores- y a ellos- los personajes- como en un tren, de una estación a otra de las grandes escenas que componen toda la película. Robbie y Cecilia, mientras tanto, serán las víctimas de una historia de amor pura, real pero imposible. Briony siente culpa, podrá expiarla acaso? de qué manera? Puede lograrse la expiación? Esto ya no lo encontré en el diccionario, no pude, no hay respuesta escrita más que en el alma de cada uno de nosotros, aunque tal vez haya alguna manera y tal vez tengan que mirar esta gran película para descubrirla. Paula.

Antes de Partir

2008-02-11T03:42:00.000-08:00

10,000 A.C

2008-02-11T03:40:00.000-08:00

Sin lugar para los débiles (No country for old men)

2008-02-11T03:34:00.000-08:00

HellBoy 2 The golden army

2008-02-11T03:29:00.000-08:00

Batman

2008-02-11T03:25:00.000-08:00

Sweeney Todd

2008-02-11T03:21:00.000-08:00

IronMan

2008-02-11T03:17:00.000-08:00

Rambo IV

2008-02-11T03:15:00.000-08:00

Meteoro (Speed Race)

2008-02-11T03:12:00.000-08:00

Cloverfield - Monstruo

2008-02-11T03:05:00.000-08:00

Expiación, Deseo y Pecado

2008-02-11T02:42:00.000-08:00

Cloverfield - Monstruo

2008-01-31T02:42:00.000-08:00

Cloverfield-Monstruo ( Cloverfield , EE.UU./2008). Dirección: Matt Reeves. Guión: Drew Goddard. Fotografía: Michael Bonvillain. Montaje: Kevin Stitt. Con Lizzy Caplan, Jessica Lucas, T.J. Millar, Michael Stahl-David, Mike Vogel. Hablada en inglés. Presentada por UIP. Duración: 85 minutos. Calificación: para mayores de 16 años.

Al ser del productor de Lost, por lo menos para mi, había una pequeña esperanza de que la historia tenga una vuelta de tuerca para las películas de monstruos, pero no, Cloverfield como se encargaron en poner en argentina en el titulo es una película de un… monstruo. Aclaración que parece tonta pero me he encontrado con varias personas que pensaban que podría ser una película con una intriga semejante a la de Lost o algo parecido.
Mas allá de esta "desilusión", la película cumple, es entretenida y por momentos vertiginosa y hasta nos puede llegar a hacer dar un saltito en la butaca del cine o del sillón del comedor a aquellos perezosos "alquiladores de dvd" o aquellos picaros avanzados "navegadores de internet".
El film tiene una formula sencilla, una historia de amor, una cámara y un monstruo. Es tan simple como eso.
Rob (Michael Stahl-David) consigue trabajo en Japón por lo que se tiene que mudar a esas tierras niponas. Sus amigos le organizan una fiesta despedida y no tienen mejor idea que documentarla. Todo va bien, o no tan bien para el protagonista, hasta que un terremoto interrumpe la festividad. Todos salen a la terraza a ver que sucede, explosión, cabeza de la Estatua de la liberta por el piso y a correr. Aunque siempre hay algo que hace volver a la gente a la zona de peligro.
La historia es así de sencilla y no hay vuelta que darle. Esta contada toda en cámara en mano, que supuestamente la maneja uno de los amigos del protagonista, que hace que en ciertos momentos quien escribe estas líneas se haya mareado. El montaje esta dado por el corte de la cámara según las situaciones que se van sucediendo y ahí es cuando se cuenta una historia paralela con lo que había filmado en la cinta anteriormente. Lo interesante es l punto de vista, el espectador sabe lo que saben los protagonistas, esto es, nada. El monstruo se muestra lo justo y lo necesario por lo que el espectador se encuentra en la misma situación que los personajes.
Si digo que los efectos especiales son muy buenos no estaría descubriendo algo raro, ya que hoy por hoy en hollywood eso es moneda corriente. Pero las escenas del comienzo de la "catástrofe" son muy buenas y hace acordar a las escenas que se vieron hace unos años cuando a otro "monstruo" se le ocurrió hacer un atentado.
Si bien tenia esa pequeña esperanza que me iba a encontrar con algo novedoso, y esa esperanza fue destruida tal como la estatua de la libertad en la película, el film me gusto. Es una producción prolija que cumple con su cometido y sobre todo es justa. No le sobra nada. No es una trilogía interminable o una película que le sobran cosas para que llegue a durar las tres horas. Sus 85 minutos están muy bien puesto. Y demuestra que J. J. Abrams sabe lo que hace y hace lo que quiere. Así que si tiene una fiesta no se olviden de sus cámaras podría se la forma de decirles a sus madres cuanto las quisieron.

Eligieron a XXY como precandidata argentina al Oscar

2007-09-27T22:14:00.000-07:00

Nota extraida del Diario C larin 27/09/07- Critica de Pelisgrosos

El filme de Lucía Puenzo fue seleccionado por la Academia de Cine para competir por un lugar en la categoría mejor película en idioma extranjero. También irá a la sección oficial de los Goya españoles. Este año, ya se alzó con el Gran Premio de la Semana de la Crítica en Cannes.

Esta tarde se develó el misterio. Finalmente será XXY, de la directora Lucía Puenzo, la precandidata argentina que intentará meterse en la pelea por un lugar en la categoría mejor película en idioma extranjero de los premios que entrega la Academia de Hollywood. Fue una cerrada votación en la Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas de la Argentina, que dejó en segundo lugar a "La Señal", la película dirigida por Ricardo Darín y Martín Hodara. El film de Puenzo venció por 51 votos a 31 para la entrega del Oscar y por 25 a 22 para competir en la selección oficial de los Goya españoles. XXY, que también protagoniza Darín, este año se llevó el Gran Premio de la Semana de la Crítica en Cannes. Habrá que esperar hasta el martes 22 de enero de 2008, día en que se darán las nominaciones al Oscar, para saber si se encuentra entre las cinco que competirán por la estatuilla dorada el próximo 24 de febrero.